TRAPUNTA PER CULLETTA
PITTURA SU COTONE
domenica 2 ottobre 2011
domenica 10 ottobre 2010
venerdì 1 ottobre 2010
venerdì 12 febbraio 2010
Michelangelo Merisi "IL CARAVAGGIO"
Il 18 luglio del 1610 a Porto Ercole muore quello che molti considerano il primo grande esponente della scuola barocca: l'artista maledetto.
A 400 anni dalla morte, una mostra celebra il genio di Michelangelo Merisi detto Caravaggio
ROMA – Una trentina di capolavori assoluti di Caravaggio, solo quelli storicamente accreditati come autografi, saranno esposti dal 18 febbraio alle Scuderie del Quirinale per la grande mostra che celebrerà il IV centenario della mortedel genio lombardo . Dal Bacco degli Uffizi ai Musici del Metropolitan Museum , dalla Cena di Emmaus della National Gallery di Londra alla Deposizione della Pinacoteca Vaticana all’Annunciazione di Nancy, la rassegna presenterà al pubblico gran parte della produzione di Michelangelo Merisi, riunita insieme per la prima volta. Un’esposizione eccezionale – organizzata dall’Azienda Speciale Palaexpo con Mondomostre, in collaborazione con il Ministero dei Beni culturali e la Soprintendenza del Polo Museale Romano (con il supporto di Cariparma) – che ha lo scopo di illustrare la summa indiscutibile del maestro seicentesco, fra gli antichi, senza dubbio il pittore più amato, capace di richiamare folle di appassionati da tutto il mondo
Caravaggio
Fare chiarezza sull’opera di Caravaggio non è cosa facile: negli ultimi anni si sono susseguiti gli annunci di ritrovamenti clamorosi, con il conseguente, acceso dibattito tra gli storici dell’arte, mentre numerose rassegne hanno sollecitato l’interesse del pubblico, spesso a sproposito. Per questo, in occasione delle celebrazioni per il IV centenario si è preferito rendere omaggio all’arte e alla tecnica insuperata di Michelangelo Merisi, prendendo le distanze dal marchio di pittore maledetto che ne ha fatto un’icona moderna, ma, a tratti, stereotipata.
La mostra si inserisce nel fitto dibattito intorno alla sua vita – che è ancora, nonostante gli innumerevoli studi e ricerche, fitta di zone d’ombra – affrontando nodi tuttora irrisolti relativi alle tecniche, alle ipotetiche collaborazioni, all’esistenza di una bottega. “La mostra alle Scuderie è Caravaggio, nel senso che le opere del Merisi esposte sono quelle cosiddette certe, su cui nessuno ormai pone questioni”, dice Claudio Strinati, ideatore della rassegna, curata dalla soprintendente Rossella Vodret e da Francesco Buranelli. “I suoi quadri sono pochi”, prosegue lo studioso, non ne dipinge più di quaranta, distinguendosi dai manieristi che invece “facevano chilometri quadri di affreschi”. Pur ribadendo quanto sia assoluta “l’unitarietà del suo stile”, Strinati ammette che sussistono momenti in cui non è chiaro “se agisce da solo o assistito fino a delegare”. Del resto, “le innumerevoli versioni della Incredulità di San Tommaso, tutte belle e tutte antiche, fanno riflettere. Alcuni soggetti sono molto replicati, altri mai”.
La selezione delle opere e l’allestimento della mostra romana sono dunque mirati a esaltare il confronto tra tematiche e soggetti uguali, una sorta di fil rouge realizzato per la prima volta grazie a prestiti eccezionali. Così accanto al Ragazzo con il canestro di frutta, si vedrà il Bacco degli Uffizi, dove Caravaggio dipinse un’altra eccelsa natura morta, due opere mai messe a confronto diretto. In ambito sacro, invece, saranno affiancate alcune delle grandi pale d’altare romane e altre del periodo siciliano, tra cui la Sepoltura di Santa Lucia, punto estremo della tragica parabola esistenziale del Merisi e le due versioni della Cena in Emmaus (dalla National Gallery di Londra e da Brera). O ancora i Musici dal Metropolitan Museum con il Suonatore di Liuto dell’Ermitage e l’Amore Vincitore dalla Gemaldegalerie di Berlino, fino alle tre versioni del San Giovanni Battista (dai Capitolini e dalla Galleria Corsini di Roma, e dal Nelson-Atkins Museum di Kansas City).
Non mancheranno opere viste più raramente in mostre temporanee, come la Deposizione dai Musei Vaticani, l’Annunciazione dal Museo di Nancy (restaurata per l’occasione in un progetto congiunto Italia-Francia) o anche l’Incoronazione di Spine dal Kunsthistorisches Museum di Vienna
giovedì 11 febbraio 2010
PORTA GIOIE
porcellana dpinta a mano
tecnica mista e oro
(terzo fuoco)
particolare 1
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particolare 2
particolare 2
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mercoledì 10 febbraio 2010
ORONZO TISO FA 18
dalla Gazzetta del Mezzogiorno del 18/03/04
Il gruppo di ricerca Lytos attribuisce al celebre pittore la Crocifissione presente nella Chiesa Madre
Scoperta una nuova tela
di Alberto Nutricati,
Le tele di Oronzo Tiso presenti a Casarano sarebbero 18 e non 17, come vorrebbe il De Bernart, autore di «Paesi e figure del basso Salento». A fare questa scoperta, assieme all'attribuzione al Coppola di una tela situata all'interno della Chiesa Matrice, è stato il gruppo di ricerca Lytos. La «nuova» tela del Tiso, chierico formatosi artisticamente a Napoli nella cerchia del Solimena, si trova nella sagrestia della Chiesa Madre. Date le dimensioni (90x50), si tratta presumibilmente di un bozzetto. «Posso affermare quasi con assoluta certezza - dichiara l'architetto Pino De Nuzzo di Casarano, autore della scoperta - che la tela relativa alla crocifissione presente in sagrestia è un'opera del Tiso». A far propendere per questa attribuzione vi sono diversi elementi: dalla plasticità dei corpi alla resa dei volti, dai drappeggi ad alcuni particolari del paesaggio ricorrenti nelle opere del Tiso. Le tele dell'artista leccese presenti a Casarano sono di particolare importanza, giacché il Tiso le dipinse subito dopo quelle della cattedrale di Lecce. Furono le tele casaranesi, risalenti agli anni '70 del 1700, a sancire il successo del Tiso, consegnandolo agli onori della gloria. Fu solo dopo la loro realizzazione, infatti, che il pittore ricevette commissioni da tutto il Salento, da Grottaglie a Leuca. Di indubbio interesse risulta anche la pala delle anime del purgatorio, situata in corrispondenza del terzo altare sulla destra. Si tratta di un'opera che Luciana Margari, giovane casaranese iscritta all'Accademia delle Belle Arti di Lecce, ha attribuito al Coppola, con l'avallo della professoressa Carmen Lorenzetti, docente di Storia delle Tecniche Artistiche. «Mi sono interessata di quest'opera - dice Luciana - a causa di una ricerca e mi sono subito resa conto che in essa c'era qualcosa di familiare. Infatti non mi sbagliavo: le anime raffigurate sono sorprendentemente simili a quelle di un'altra tela del Coppola presente nella cattedrale di Gallipoli». Anche in questo caso l'attribuzione è stata proposta sulla base di precisi riscontri stilistici, tecnici e di impostazione con altre opere dell'autore in questione. Si tratterebbe di un'opera risalente addirittura al quindicennio tra il 1640 e il 1655, dalle dimensioni di 348x238. Quest'ultima scoperta risulta di particolare interesse perché arricchirebbe il catalogo delle tele presenti all'interno della Chiesa Madre con un nome prestigioso e perché amplierebbe il raggio di azione del Coppola che ha operato quasi esclusivamente a Gallipoli, anche se si era formato a Firenze, dove sono presenti due sue opere. Si tratta di scoperte che, se confermate, arricchiranno enormemente il già cospicuo patrimonio artistico della Chiesa e, si spera, contribuiranno a catalizzare sull'edificio sacro i fondi necessari al suo restauro; anche perché le tele in questione, soprattutto quella del Coppola, sono in condizioni decisamente pessime.
dal guestbook di Lytos (messaggio n°10-11 del 22.3.2004-messaggio, purtroppo, non firmato)):
Permettetemi di osservare che le tele del Tiso presenti in Casarano sono addirittura venti: in particolare 6 sono nella Matrice, 5 nella cappella di San Pietro (purtroppo non aperta al pubblico) e ben 8 nella chiesa dell'Immacolata. Se ad esse si aggiungesse quella del Crocefisso, arriviamo a 20. Un bel numero! Voglio però fare l'avvocato del diavolo. Bisognerebbe approfondire lo studio su quest'ultimo ritrovamento perchè la forma stilistica del dipinto non corrisponde esattamente alle tendenze pittoriche del Tiso. Il dipinto è troppo statico, troppo classico. Il Tiso prediligeva il movimento delle figure accentuato soprattutto dalle pieghe e dagli svolazzi di manti e veli. Comunque, complimenti per il lavoro di ricerca che state operando nella nostra bella città. A proposito dei due dipinti inediti presenti all'Immacolata, essi raffigurano San Vito e San Francesco di Paola. Nel 1982 furono trafugati ben 5 dipinti di forma ovale in quella chiesa, 3 dei 4 evangelisti e due santi. Nonostante tante ricerche non s'è saputo nulla. Verso il 1997 (o 1998) la Gdf rinvenne due dipinti che risultavano ritagliati rispetto alla forma originale e rappresentavano san Vito e San Francesco di Paola. Si disse che sicuramente erano le tele trafugate all'Immacolata e furono consegnate alla Confraternita. Però c'è qualcosa che non va. Quando Aldo De Bernart scrisse - Paesi e figure del vecchio Salento - (1978), nell'elencare i quadri del Tiso presenti in Casarano, non si accorse di questi due. Perchè? Forse i quadri ritrovati non appartengono all'Immacolata. Lascio a voi risolvere il quesito... Grazie
Il gruppo di ricerca Lytos attribuisce al celebre pittore la Crocifissione presente nella Chiesa Madre
Scoperta una nuova tela
di Alberto Nutricati,
Le tele di Oronzo Tiso presenti a Casarano sarebbero 18 e non 17, come vorrebbe il De Bernart, autore di «Paesi e figure del basso Salento». A fare questa scoperta, assieme all'attribuzione al Coppola di una tela situata all'interno della Chiesa Matrice, è stato il gruppo di ricerca Lytos. La «nuova» tela del Tiso, chierico formatosi artisticamente a Napoli nella cerchia del Solimena, si trova nella sagrestia della Chiesa Madre. Date le dimensioni (90x50), si tratta presumibilmente di un bozzetto. «Posso affermare quasi con assoluta certezza - dichiara l'architetto Pino De Nuzzo di Casarano, autore della scoperta - che la tela relativa alla crocifissione presente in sagrestia è un'opera del Tiso». A far propendere per questa attribuzione vi sono diversi elementi: dalla plasticità dei corpi alla resa dei volti, dai drappeggi ad alcuni particolari del paesaggio ricorrenti nelle opere del Tiso. Le tele dell'artista leccese presenti a Casarano sono di particolare importanza, giacché il Tiso le dipinse subito dopo quelle della cattedrale di Lecce. Furono le tele casaranesi, risalenti agli anni '70 del 1700, a sancire il successo del Tiso, consegnandolo agli onori della gloria. Fu solo dopo la loro realizzazione, infatti, che il pittore ricevette commissioni da tutto il Salento, da Grottaglie a Leuca. Di indubbio interesse risulta anche la pala delle anime del purgatorio, situata in corrispondenza del terzo altare sulla destra. Si tratta di un'opera che Luciana Margari, giovane casaranese iscritta all'Accademia delle Belle Arti di Lecce, ha attribuito al Coppola, con l'avallo della professoressa Carmen Lorenzetti, docente di Storia delle Tecniche Artistiche. «Mi sono interessata di quest'opera - dice Luciana - a causa di una ricerca e mi sono subito resa conto che in essa c'era qualcosa di familiare. Infatti non mi sbagliavo: le anime raffigurate sono sorprendentemente simili a quelle di un'altra tela del Coppola presente nella cattedrale di Gallipoli». Anche in questo caso l'attribuzione è stata proposta sulla base di precisi riscontri stilistici, tecnici e di impostazione con altre opere dell'autore in questione. Si tratterebbe di un'opera risalente addirittura al quindicennio tra il 1640 e il 1655, dalle dimensioni di 348x238. Quest'ultima scoperta risulta di particolare interesse perché arricchirebbe il catalogo delle tele presenti all'interno della Chiesa Madre con un nome prestigioso e perché amplierebbe il raggio di azione del Coppola che ha operato quasi esclusivamente a Gallipoli, anche se si era formato a Firenze, dove sono presenti due sue opere. Si tratta di scoperte che, se confermate, arricchiranno enormemente il già cospicuo patrimonio artistico della Chiesa e, si spera, contribuiranno a catalizzare sull'edificio sacro i fondi necessari al suo restauro; anche perché le tele in questione, soprattutto quella del Coppola, sono in condizioni decisamente pessime.
dal guestbook di Lytos (messaggio n°10-11 del 22.3.2004-messaggio, purtroppo, non firmato)):
Permettetemi di osservare che le tele del Tiso presenti in Casarano sono addirittura venti: in particolare 6 sono nella Matrice, 5 nella cappella di San Pietro (purtroppo non aperta al pubblico) e ben 8 nella chiesa dell'Immacolata. Se ad esse si aggiungesse quella del Crocefisso, arriviamo a 20. Un bel numero! Voglio però fare l'avvocato del diavolo. Bisognerebbe approfondire lo studio su quest'ultimo ritrovamento perchè la forma stilistica del dipinto non corrisponde esattamente alle tendenze pittoriche del Tiso. Il dipinto è troppo statico, troppo classico. Il Tiso prediligeva il movimento delle figure accentuato soprattutto dalle pieghe e dagli svolazzi di manti e veli. Comunque, complimenti per il lavoro di ricerca che state operando nella nostra bella città. A proposito dei due dipinti inediti presenti all'Immacolata, essi raffigurano San Vito e San Francesco di Paola. Nel 1982 furono trafugati ben 5 dipinti di forma ovale in quella chiesa, 3 dei 4 evangelisti e due santi. Nonostante tante ricerche non s'è saputo nulla. Verso il 1997 (o 1998) la Gdf rinvenne due dipinti che risultavano ritagliati rispetto alla forma originale e rappresentavano san Vito e San Francesco di Paola. Si disse che sicuramente erano le tele trafugate all'Immacolata e furono consegnate alla Confraternita. Però c'è qualcosa che non va. Quando Aldo De Bernart scrisse - Paesi e figure del vecchio Salento - (1978), nell'elencare i quadri del Tiso presenti in Casarano, non si accorse di questi due. Perchè? Forse i quadri ritrovati non appartengono all'Immacolata. Lascio a voi risolvere il quesito... Grazie
martedì 9 febbraio 2010
ARTISTI di SERIE B...!?
Non esagera chi afferma che la nostra Italia è di fatto un museo a cielo aperto; e sono in tanti.
Purtroppo, però, molti artisti sono oscurati, nascosti, da quei mostri sacri che tutti conosciamo, ma è anche grazie al loro contributo che si è resa meravigliosa la nostra terra e il Salento ha dato i natali a molti di loro...
Questa sera, mi trovavo nella Chiesa Matrice di Casarano e non ho potuto fare a meno di osservare gli splendidi affreschi di Oronzo Tito.
Ma chi era Oronzo Tito?
.Nacque a Lecce da don Domenico Tiso e Teresa Manfredi. Tra il 1746 e il 1749 soggiornò a Napoli, dove studiò diritto canonico e si formò artisticamente nella scuola di Francesco solimena
1. 1. Gli inizi
Tornato a Lecce nel 1752, fu ordinato sacerdote e nella sua qualità di mansionario della cattedrale si impegnò nella decorazione del Duomo di Lecce (1757-1758), realizzando i dipinti dell'area presbiteriale:
Oronzo Tiso (Lecce, 18 Maggio 1726 - Lecce, 18 maggio 1800) è stato un pittore itqaliano esponente del tardo barocco della pittura napoletana. Fu molto attivo nella città natale e nel Salento.
Le tele a Casarano
Secondo alcuni studiosi a Casarano si troverebbero un gran numero di tele del Tiso, dipinte subito dopo quelle custodite nella cattedrale di Lecce. Tali dipinti, realizzati negli anni '70 del Settecento per la Chiesa Matrice per la Cappella San Pietro e per la Chiesa dell'Immacolata, sarebbero stati quelli della consacrazione per l'artista pugliese, tanto da procurargli poi commissioni in tutto il SalentoNella Chiesa Parrocchiale (Matrice) dipinse:
La fornace di Babilonia;
La Vergine Annunciata;
La Comunione;
La distribuzione dei pani;
L'Arcangelo Michele e L'Arcangelo Raffaele.
Nella Chiesa dell'Immacolata:
L'Assunta;
Nascita della Vergine;
La purificazione della Vergine;
La presentazione della Vergine al Tempio;
L'annunciazione';
La visitazione.
Nella cappella di S.Pietro:
San Giuseppe con Bambino;
San Giovanni Battista;
Angelo custode e Arcangelo Michele;
La Vergine col Bambino ed i santi Pietro e Paolo;
mercoledì 4 novembre 2009
domenica 25 ottobre 2009
fino al 10.I.2010
Giovanni Boldini
Ferrara, Palazzo dei Diamanti
L’uomo giusto al posto giusto nel momento giusto. Una mostra ricorda il soggiorno di Boldini a Parigi, coinciso con gli anni esplosivi dell’Impressionismo. Storia di un successo costruito con grande mestiere...
pubblicato venerdì 23 ottobre 2009
Chiusi gli ombrellini e affondate le ninfee à la Goldin, la sempiterna vena aurifera dell’Impressionismo offre, per la collezione autunno-inverno, i panni sciacquati in Senna di Giovanni Boldini (Ferrara, 1842 - Parigi, 1931), in una mostra che accende i riflettori sul lungo e proficuo soggiorno parigino dell’artista ferrarese. È il resoconto di quindici anni passati a scorrazzare per la ville lumiére, dal 1871 all’86, giusto il tempo per assistere all’esplosione di Monet e soci, per frequentare Degas, per adeguare un linguaggio formulato con “la macchia” a nuove suggestioni.La curatela di Sarah Lees offre una panoramica multilayer: al dipanarsi cronologico delle sezioni - al nucleo vero e proprio della mostra non mancano un prologo e un epilogo, giusto per vedere “il prima” e “il dopo” Parigi - fa eco un’indagine per temi, che affronta con precisione da entomologo la molteplicità dei soggetti trattati da Boldini. Non solo ritratti, quindi, ma soprattutto paesaggi e scene di genere, per un confronto che permette di assimilare la capacità dell’artista di affrontare modelli - e maestri - tra loro diversi.Il ponderoso lavoro critico di Lees, presentato in catalogo, offre testi e documenti originali a conferma della necessità, da parte di Boldini, del contatto diretto con altri artisti; della sua volontà di nutrire il proprio lavoro accogliendo stimoli e suggestioni da chiunque vivesse d’arte.Pittori, quindi, ma anche collezionisti e mercanti: proprio lo studio analitico dei registri di Goupil, primo “spacciatore” in terra di Francia delle tele di Boldini, permette in questa sede di ricostruire il suo atteggiamento nei confronti del lavoro, inteso sia come agire artistico che come semplice e prosaico fattore economico.Ed è qui che emerge il ritratto del Boldini mestierante: dalle note quasi ossessive con cui comunicava agli amici i propri progressi, misurandoli in massima parte in quadri venduti, prima ancora che in consenso di critica o soddisfazione intima. Ed è dunque forse da ricercare proprio qui, nella spasmodica ricerca di caratterizzazione sul mercato, una certa coerenza nella sperimentazione di generi tra loro così diversi. Ed è sempre qui che possiamo intuire la scelta definitiva di dedicarsi, con la maturità, al certo remunerativo ambito della ritrattistica.Una visione tanto prosaica potrà far accapponare la pelle alle anime candide. Torniamo quindi all’arte per l’arte, e guardiamo a un dato stilistico trasversale, che cuce insieme tutte le opere parigine di Boldini: è un certo occhio ben più che fotografico, addirittura cinematografico.Si lasci da parte ogni trita considerazione sulle influenze tra fotografia e arte figurativa nel secondo Ottocento; si nascondano i documenti che dimostrano come Boldini si servì di foto per elaborare alcuni suoi esterni.E ci si lasci catturare dal taglio eversivo della composizione, dall’insistita ricerca della dinamica, dal coraggioso uso del primo del piano (vedi l’invasivo dettaglio del contrabbasso in A teatro). Siamo al punto che Place Clichy (1874) sembra preconizzare Sergio Leone.
L’uomo giusto al posto giusto nel momento giusto. Una mostra ricorda il soggiorno di Boldini a Parigi, coinciso con gli anni esplosivi dell’Impressionismo. Storia di un successo costruito con grande mestiere...
pubblicato venerdì 23 ottobre 2009
Chiusi gli ombrellini e affondate le ninfee à la Goldin, la sempiterna vena aurifera dell’Impressionismo offre, per la collezione autunno-inverno, i panni sciacquati in Senna di Giovanni Boldini (Ferrara, 1842 - Parigi, 1931), in una mostra che accende i riflettori sul lungo e proficuo soggiorno parigino dell’artista ferrarese. È il resoconto di quindici anni passati a scorrazzare per la ville lumiére, dal 1871 all’86, giusto il tempo per assistere all’esplosione di Monet e soci, per frequentare Degas, per adeguare un linguaggio formulato con “la macchia” a nuove suggestioni.La curatela di Sarah Lees offre una panoramica multilayer: al dipanarsi cronologico delle sezioni - al nucleo vero e proprio della mostra non mancano un prologo e un epilogo, giusto per vedere “il prima” e “il dopo” Parigi - fa eco un’indagine per temi, che affronta con precisione da entomologo la molteplicità dei soggetti trattati da Boldini. Non solo ritratti, quindi, ma soprattutto paesaggi e scene di genere, per un confronto che permette di assimilare la capacità dell’artista di affrontare modelli - e maestri - tra loro diversi.Il ponderoso lavoro critico di Lees, presentato in catalogo, offre testi e documenti originali a conferma della necessità, da parte di Boldini, del contatto diretto con altri artisti; della sua volontà di nutrire il proprio lavoro accogliendo stimoli e suggestioni da chiunque vivesse d’arte.Pittori, quindi, ma anche collezionisti e mercanti: proprio lo studio analitico dei registri di Goupil, primo “spacciatore” in terra di Francia delle tele di Boldini, permette in questa sede di ricostruire il suo atteggiamento nei confronti del lavoro, inteso sia come agire artistico che come semplice e prosaico fattore economico.Ed è qui che emerge il ritratto del Boldini mestierante: dalle note quasi ossessive con cui comunicava agli amici i propri progressi, misurandoli in massima parte in quadri venduti, prima ancora che in consenso di critica o soddisfazione intima. Ed è dunque forse da ricercare proprio qui, nella spasmodica ricerca di caratterizzazione sul mercato, una certa coerenza nella sperimentazione di generi tra loro così diversi. Ed è sempre qui che possiamo intuire la scelta definitiva di dedicarsi, con la maturità, al certo remunerativo ambito della ritrattistica.Una visione tanto prosaica potrà far accapponare la pelle alle anime candide. Torniamo quindi all’arte per l’arte, e guardiamo a un dato stilistico trasversale, che cuce insieme tutte le opere parigine di Boldini: è un certo occhio ben più che fotografico, addirittura cinematografico.Si lasci da parte ogni trita considerazione sulle influenze tra fotografia e arte figurativa nel secondo Ottocento; si nascondano i documenti che dimostrano come Boldini si servì di foto per elaborare alcuni suoi esterni.E ci si lasci catturare dal taglio eversivo della composizione, dall’insistita ricerca della dinamica, dal coraggioso uso del primo del piano (vedi l’invasivo dettaglio del contrabbasso in A teatro). Siamo al punto che Place Clichy (1874) sembra preconizzare Sergio Leone.
francesco salamostra visitata il 19 settembre 2009
informazione dal web
lunedì 19 ottobre 2009
PERSONALE
anno: 2000
dimensioni: cm 40x30
tecnica: olio su tela
La prima virtù di un dipinto è essere una festa per gli occhi.
MASSERIA SALENTINA
anno: 2009
dimensioni: 80x30
tecnica: spatolato olio su tela
Il vero artista crea, copiando.
sabato 17 ottobre 2009
NATURA MORTA
anno: 1996
dimensioni: 50x 60
tecnica: olio su tela con tecnica invecchiante e screpolante
"In una figura, cercate la grande luce e la grande ombra, il resto verrà da sé."
mercoledì 14 ottobre 2009
AI MARGINI
anno: 2000
dimesioni: cm45x6
tecnica: olio sutela
"Nulla al mondo è più pericolosa che un'ignoranza sincera ed una stupidità coscienziosa."
Martin Luther King.
Martin Luther King.
domenica 11 ottobre 2009
venerdì 9 ottobre 2009
...
... a Milano con gli "SCAPIGLIATI"
fino al 22.XI.2009
ScapigliaturaMilano, Palazzo Reale
La rivolta antiborghese di un gruppo di giovani “spettinati” e arrabbiati. Che vollero cambiare l'arte all'insegna del naturalismo, contro ogni convenzione e con molte concessioni al morboso. Inquietudini forti, ma dai contorni sfumati...
pubblicato martedì 29 settembre 2009
La rivolta antiborghese di un gruppo di giovani “spettinati” e arrabbiati. Che vollero cambiare l'arte all'insegna del naturalismo, contro ogni convenzione e con molte concessioni al morboso. Inquietudini forti, ma dai contorni sfumati...
pubblicato martedì 29 settembre 2009
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Correva l'anno 1862, alba dell'unità d'Italia. E già qualcuno storceva il naso: via gli Asburgo dentro i Savoia, trionfa il borghese senza qualità, politically correct, moralista di facciata e provincialmente chiuso nella sua bottega.
Correva l'anno 1862, alba dell'unità d'Italia. E già qualcuno storceva il naso: via gli Asburgo dentro i Savoia, trionfa il borghese senza qualità, politically correct, moralista di facciata e provincialmente chiuso nella sua bottega.
Quel “qualcuno” era Cletto Arrighi, autore de La Scapigliatura e il 6 febbraio, per cui la rivolta del 1853 fu condotta dal “vero pandemonio del secolo, serbatoio dello spirito di rivolta e di opposizione a tutti gli ordini costituiti”. Arrighi era della truppa di ragazzotti che al profumo di lavanda delle stanze da letto borghesi preferivano l'odore pungente dei postriboli. E infatti ebbero vite brevi e intense, ispirate alla bohème, con padre putativo Charles Baudelaire. Questa fu la base letteraria della Scapigliatura, epicentro Milano. Ma l'attenzione al vero, osservato col piglio dell'anatomopatologo, travolse anche l'arte. Per apprezzare quanto, si visiti la mostra a Palazzo Reale: abbastanza completa, dopo quella storica della Permanente nel 1966, soprattutto se accoppiata alla rassegna della Biblioteca di via Senato con l'inedito Fondo Sommaruga.
Ecco la vaporosità e il cromatismo “alla veneta” di Tranquillo Cremona: I cugini dai contorni che si dileguano in volumi su cui la luce rimbalza e si rifrange, gli amanti avvinti come L’Edera. Scandalizzarono i fautori del compassato verismo bertiniano, suscitando invece gli entusiasmi di Medardo Rosso. Ecco il folle Daniele Ranzoni, le cui vedute del Verbano trasudano malinconia. Ecco l'esordio dei futuri divisionisti come Vittore Grubicy e la realizzazione del Monumento alle Cinque Giornate di Giuseppe Grandi. L'eredità che la Scapigliatura lasciò fu l'estetica del “non finito”: a torto considerata “locale”, ha anticipato, col suo insistere sul destino di un uomo disilluso e alle prese con fragilità e nevrosi, il tormento novecentesco. Allestimento da rivedere per le luci, catalogo Marsilio degno di lode.
elena percivaldi
mostra visitata il 1° luglio 2009
informazione dal web
giovedì 8 ottobre 2009
martedì 6 ottobre 2009
LA SORTE
anno: 1999
dimensioni: cm50x60
tecnica: olio su tela
"Chi non è savio, paziente e forte, si lamenti di sé, non della sorte"
sabato 3 ottobre 2009
Meravigliosa mostra-confronto di due grandi artisti
Caravaggio-Bacon01/10/2009 - 24/01/2010
Galleria Borghese
piazzale Scipione Borghese 5
06-32810
Due personalità estreme e controverse in grado di trasportare nell’opera d’arte il tormento dell’esistenza, la fragilità dell’essere e la brevità della vita. Per il ciclo “Dieci grandi mostre”, fino al 24 gennaio 2010 la galleria Borghese ospita un grande evento organizzato in occasione del quarto centenario della morte del pittore lombardo (1571-1610) e del centenario della nascita dell’artista irlandese (1909-1992), curato da Anna Coliva, Claudio Strinati e Michael Peppiatt, amico, biografo e massimo conoscitore di Francis Bacon. La mostra romana fa incontrare per la prima volta due fra gli interpreti più rivoluzionari della storia dell’arte, affiancando alle opere di Caravaggio – gran parte di proprietà della Galleria e altre in prestito da istituti italiani e statunitensi – venti capolavori di Bacon (tra cui alcuni ritratti e grandi trittici) provenienti dai maggiori musei del mondo. Questo inedito confronto non punta a teorizzare dipendenze di Bacon da Caravaggio (Bacon stesso ha sempre rifiutato ogni accostamento fra sé e i grandi del passato, molti dei quali egli ammirava e amava), ma vuole provocare suggestioni visive ed evocare corrispondenze che spontaneamente nascono di fronte al sapiente accostamento formale dei dipinti, proponendo allo spettatore di aderire all’eccezionale esperienza artistica dei due pittori. Catalogo 24Ore Motta Cultura.Fonte articolo: ARTOnline
venerdì 2 ottobre 2009
giovedì 1 ottobre 2009
IL DIVERSO
anno:1999
dimenzioni: cm20x50
tecnica: spatolato olio su tela
"Se i quadri si potessero spiegare e tradurli in parole, non ci sarebbe bisogno di dipingerli".
Gustave Courbet
LA CONTADINA
anno: 1996
dimenzioni: cm 100x90.
tecnica: spatolato olio su tela:
nonostante tutto...la serenità di un tempo:
"Ho una sensazione lieve, ma non riesco ad esprimerla. Sono come uno incapace di usare la moneta d'oro in suo possesso."
Paul Cézanne
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